Fotografia: Cortesia Naturhistorisches Museum

La nostra escultura de la història de l'art, aquesta petita figureta de poc més de quatre polzades d'alçada va ser descoberta a Àustria el 1908. Ningú sap quina funció tenia, però les conjectures han anat des de la deessa de la fertilitat fins a l'ajuda a la masturbació. Alguns estudiosos suggereixen que podria haver estat un autoretrat fet per una dona. És el més famós de molts d'aquests objectes que daten de l'edat de pedra antiga.

Fotografia: cortesia CC/Wiki Media/Philip Pikart

Aquest retrat ha estat un símbol de la bellesa femenina des que es va descobrir per primera vegada l'any 1912 a les ruïnes d'Amarna, la capital construïda pel faraó més controvertit de la història de l'Antic Egipte: Akhenaton. La vida de la seva reina, Nefertiti, és una cosa de misteri: es creu que va governar com a faraó durant un temps després de la mort d'Akhenaton, o més probablement, com a co-regent del Rei Tutankamon. Alguns egiptòlegs creuen que en realitat era la mare de Tut. Es creu que aquest bust de pedra calcària recobert d'estuc és obra de Thutmosis, l'escultor de la cort d'Akhenaton.

Fotografia: Cortesia CC/Wikimedia Commons/Maros M raz

Descobert el 1974, l'exèrcit de terracota és un enorme caché d'estàtues d'argila enterrades en tres fosses massives prop de la tomba de Shi Huang, el primer emperador de la Xina, que va morir l'any 210 aC. Destinat a protegir-lo en el més enllà, segons algunes estimacions, l'Exèrcit compta amb més de 8.000 soldats juntament amb 670 cavalls i 130 carros. Cadascun és de mida natural, tot i que l'alçada real varia segons el rang militar.

Fotografia: cortesia CC/Wiki Media/LivioAndronico

Potser l'escultura més famosa de l'antiguitat romana,Laocoont i els seus fillsva ser descobert originalment a Roma el 1506 i traslladat al Vaticà, on resideix fins als nostres dies. Es basa en el mite d'un sacerdot troià assassinat juntament amb els seus fills per serps marines enviades pel déu del mar Posidó com a retribució per l'intent de Laocoont d'exposar l'enginy del cavall de Troia. Instal·lada originàriament al palau de l'emperador Titus, aquesta agrupació figurativa a mida natural, atribuïda a un trio d'escultors grecs de l'illa de Rodes, no té rival com a estudi del sofriment humà.

Fotografia: Cortesia CC/Wikimedia/Livioandronico2013

Una de les obres més emblemàtiques de tota la història de l'art, el David de Miquel Àngel va tenir el seu origen en un projecte més gran per decorar els contraforts de la gran catedral de Florència, el Duomo, amb un grup de figures extretes de l'Antic Testament. ElDavidva ser un, i en realitat va ser iniciat el 1464 per Agostino di Duccio. Durant els dos anys següents, Agostino va aconseguir desbastar part de l'enorme bloc de marbre tallat a la famosa pedrera de Carrara abans d'aturar-se el 1466. (Ningú sap per què). va treballar-hi breument. El marbre va romandre intacte durant els següents 25 anys, fins que Miquel Àngel va tornar a tallar-lo el 1501. En aquell moment tenia 26 anys. Quan va acabar, el David pesava sis tones, és a dir, no es podia pujar al terrat de la catedral. En canvi, es va exposar a l'exterior de l'entrada del Palazzo Vecchio, l'ajuntament de Florència. La figura, una de les destil·lacions més pures de l'estil alt renaixentista, va ser immediatament acceptada pel públic florentí com a símbol de la pròpia resistència de la ciutat-estat contra els poders que s'hi oposaven. El 1873, elDavides va traslladar a la Galeria de l'Acadèmia i es va instal·lar una rèplica a la seva ubicació original.

Fotografia: Cortesia CC/Wiki Media/Alvesgaspar

Reconegut com a creador de l'estil barroc alt romà, Gian Lorenzo Bernini va crear aquesta obra mestra per a una capella de l'església de Santa Maria della Vittoria. El barroc va estar indissociablement lligat a la Contrareforma mitjançant la qual l'Església catòlica va intentar frenar la marea del protestantisme que s'escampava a l'Europa del segle XVII. Obres d'art com la de Bernini formaven part del programa per reafirmar el dogma papal, ben servit aquí pel geni de Bernini per impregnar les escenes religioses amb narracions dramàtiques.Èxtasin'és un exemple: el seu tema —Santa Teresa d'Àvila, monja carmelita i mística espanyola que va escriure sobre la seva trobada amb un àngel— es representa just quan l'àngel està a punt de llançar-li una fletxa al cor.ÈxtasiEls matisos eròtics de la seva parella són inconfusibles, més òbviament en l'expressió orgàsmica de la monja i en el teixit que embolcalla ambdues figures. Arquitecte com tots com a artista, Bernini també va dissenyar l'escenari de la capella en marbre, estuc i pintura.

Fotografia: cortesia del Metropolitan Museum of Art/Fletcher Fund

L'artista italià Antonio Canova (1757–1822) és considerat el més gran escultor del segle XVIII. La seva obra resumia l'estil neoclàssic, com podeu veure en la seva interpretació en marbre de l'heroi mític grec Perseu. De fet, Canova va fer dues versions de la peça: una resideix al Vaticà a Roma, mentre que l'altra es troba al Tribunal d'Escultura Europea del Museu Metropolità d'Art.

Fotografia: Museu Metropolitan d'Art

Si bé el mestre impressionista Edgar Degas és més conegut com a pintor, també va treballar en escultura, produint el que sens dubte va ser l'esforç més radical de la seva obra. Degas modelatLa petita ballarina de catorze anysde cera (de la qual es van fer còpies posteriors en bronze després de la seva mort el 1917), però el fet que Degas vestís el seu subjecte homònim amb un vestit de ballet real (complet amb cosset, tutú i sabatilles) i una perruca de cabell real va causar sensació quanBallarinaVa debutar a la Sisena Exposició Impressionista de 1881 a París. Degas va optar per cobrir la majoria dels seus adorns amb cera perquè coincideixin amb la resta de trets de la noia, però va mantenir el tutú, així com una cinta que li lligava els cabells, tal com eren, fent de la figura un dels primers exemples d'objecte trobat. art.Ballarinava ser l'única escultura que Degas va exposar en vida; després de la seva mort, es van trobar uns 156 exemplars més llanguits al seu estudi.

Fotografia: cortesia del Philadelphia Museum of Art

Mentre que la majoria de la gent associa el gran escultor francès Auguste Rodin ambEl Pensador, aquest conjunt que commemora un incident durant la Guerra dels Cent Anys (1337–1453) entre Gran Bretanya i França és més important per a la història de l'escultura. Encàrrec per a un parc a la ciutat de Calais (on es va aixecar un setge d'un any per part dels anglesos el 1346 quan sis ancians de la ciutat es van oferir a ser executats a canvi d'estalviar la població),Els burgesosva evitar el format típic dels monuments de l'època: en lloc de figures aïllades o amuntegades en una piràmide dalt d'un pedestal alt, Rodin va reunir els seus subjectes de mida natural directament a terra, a nivell de l'espectador. Aquest moviment radical cap al realisme trencava amb el tracte heroic que se sol concedir a aquestes obres a l'aire lliure. AmbEls burgesos, Rodin va fer un dels primers passos cap a l'escultura moderna.

Fotografia: cortesia CC/Flickr/Wally Gobetz

El 1912, Picasso va crear una maqueta de cartró d'una peça que tindria un impacte desmesurat en l'art del segle XX. També a la col·lecció del MoMA, representava una guitarra, un tema que Picasso va explorar sovint en la pintura i el collage, i en molts aspectes,Guitarrava transferir les tècniques de retallar i enganxar del collage de dues dimensions a tres. També va fer el mateix amb el cubisme, reunint formes planes per crear una forma polièdrica amb profunditat i volum. La innovació de Picasso va ser evitar la talla i el modelatge convencionals d'una escultura a partir d'una massa sòlida. En canvi,Guitarraestava unit com una estructura. Aquesta idea reverberaria des del constructivisme rus fins al minimalisme i més enllà. Dos anys després de fer elGuitarraen cartró, Picasso va crear aquesta versió en llauna tallada

Fotografia: Museu Metropolitan d'Art

Des dels seus inicis radicals fins a la seva última encarnació feixista, el futurisme italià va commocionar el món, però cap obra va exemplificar el pur deliri del moviment que aquesta escultura d'un dels seus protagonistes: Umberto Boccioni. Començant com a pintor, Boccioni es va dedicar al treball en tres dimensions després d'un viatge a París el 1913 en el qual va recórrer els estudis de diversos escultors avantguardistes de l'època, com Constantin Brancusi, Raymond Duchamp-Villon i Alexander Archipenko. Boccioni va sintetitzar les seves idees en aquesta dinàmica obra mestra, que representa una figura caminant situada en una "continuïtat sintètica" de moviment tal com la va descriure Boccioni. La peça es va crear originalment en guix i no va ser fosa en la seva versió de bronze familiar fins al 1931, molt després de la mort de l'artista el 1916 com a membre d'un regiment d'artilleria italià durant la Primera Guerra Mundial.

Fotografia: cortesia CC/Flickr/Steve Guttman NYC

Nascut a Romania, Brancusi va ser un dels escultors més importants del modernisme de principis del segle XX i, de fet, una de les figures més importants de tota la història de l'escultura. Una mena de proto-minimalista, Brancusi va prendre formes de la natura i les va simplificar en representacions abstractes. El seu estil va estar influenciat per l'art popular de la seva terra natal, que sovint presentava patrons geomètrics vibrants i motius estilitzats. Tampoc va fer cap distinció entre objecte i base, tractant-los, en determinats casos, com a components intercanviables, un enfocament que representava una ruptura crucial amb les tradicions escultòriques. Aquesta peça emblemàtica és un retrat de la seva model i amant, Margit Pogány, una estudiant d'art hongaresa que va conèixer a París l'any 1910. La primera iteració va ser tallada en marbre, seguida d'una còpia en guix de la qual es va fer aquest bronze. El guix en si es va exposar a Nova York al llegendari Armory Show de 1913, on els crítics se'n van burlar i es van burlar. Però també va ser la peça més reproduïda de l'espectacle. Brancusi va treballar en diverses versions deMlle Poganydurant uns 20 anys.

Fotografia: cortesia del Museu d'Art Modern

Roda de bicicletaes considera el primer dels readymades revolucionaris de Duchamp. Tanmateix, quan va completar la peça al seu estudi de París, realment no tenia ni idea de com anomenar-la. "Vaig tenir la feliç idea de subjectar una roda de bicicleta a un tamboret de la cuina i veure com gira", diria més tard Duchamp. Va necessitar un viatge a Nova York l'any 1915 i l'exposició a la gran producció de béns fabricats en fàbrica de la ciutat perquè Duchamp arribés amb el terme readymade. Més important encara, va començar a veure que fer art de manera artesanal i tradicional semblava inútil a l'era industrial. Per què molestar-se, va plantejar, quan els articles manufacturats àmpliament disponibles podrien fer la feina. Per a Duchamp, la idea darrere de l'obra d'art era més important que com es va fer. Aquesta noció, potser el primer exemple real d'art conceptual, transformaria completament la història de l'art en el futur. Molt semblant a un objecte domèstic normal, però, l'originalRoda de bicicletano va sobreviure: aquesta versió és en realitat una rèplica que data de 1951.

Fotografia: Whitney Museum of American Art, © 2019 Calder Foundation, Nova York/Artists Rights Society (ARS), Nova York

Un element estimat de la col·lecció permanent del Whitney Museum,Circ de Calderdestil·la l'essència lúdica que Alexander Calder (1898–1976) va aportar com a artista que va ajudar a donar forma a l'escultura del XX.Circ, que va ser creat durant l'època de l'artista a París, era menys abstracte que els seus "mòbils" penjats, però a la seva manera, era igual de cinètic: fet principalment de filferro i fusta,Circva servir com a peça central per a actuacions d'improvisació, en les quals Calder es movia al voltant de diverses figures que representaven contorsionistes, engoleixes d'espases, domadors de lleons, etc., com a mestre de rings semblant a Déu.

Fotografia: cortesia del Museu J. Paul Getty

Com a pintor i dissenyador de tapissos i també escultor, l'artista francès Aristide Maillol (1861-1944) es podria descriure millor com un neoclàssic modern que va donar un toc racionalitzat del segle XX a l'estàtua tradicional grecoromana. També es podria descriure com un conservador radical, tot i que cal recordar que fins i tot contemporanis avantguardistes com Picasso van produir obres en una adaptació de l'estil neoclàssic després de la Primera Guerra Mundial. El tema de Maillol era el nu femení, i enL'Air, ha creat un contrast entre la massa material del seu subjecte i la forma en què sembla flotar a l'espai, equilibrant, per dir-ho, un físic obstinat amb una presència evanescent.

Fotografia: cortesia CC/Flickr/C-Monster

Artista japonesa que treballa en múltiples mitjans, Kusama va arribar a Nova York el 1957 i va tornar al Japó el 1972. Mentrestant, es va establir com una figura important de l'escena del centre de la ciutat, l'art de la qual va tocar moltes bases, com el Pop Art i el Minimalisme. i Art escènic. Com a dona artista que sovint es referia a la sexualitat femenina, també va ser una precursora de l'art feminista. El treball de Kusama es caracteritza sovint per patrons al·lucinògens i repeticions de formes, una propensió arrelada en determinades condicions psicològiques (al·lucinacions, TOC) que pateix des de la infància. Tots aquests aspectes de l'art i la vida de Kusuma es reflecteixen en aquesta obra, en la qual una cadira normal entapissada està subsumida de manera inquietant per un brot de pesta de protuberàncies fàl·liques fetes de teixit de farciment cosit.

Fotografia: Whitney Museum of American Art, Nova York, © 2019 Estate of Marisol/Albright-Knox Art Gallery/Artists Rights Society (ARS), Nova York

Coneguda simplement pel seu nom de pila, Marisol Escobar (1930–2016) va néixer a París de pares veneçolans. Com a artista, es va associar amb el Pop Art i més tard amb l'Op Art, encara que estilísticament, no pertanyia a cap dels dos grups. En canvi, va crear quadres figuratius que estaven pensats com a sàtires feministes de rols de gènere, celebritats i riquesa. EnDones i gosassumeix l'objectivació de les dones i la manera com s'utilitzen els estàndards de feminitat imposats pels homes per obligar-les a conformar-se.

Fotografia: cortesia CC/Flickr/Rocor

The Brillo Box és potser la més coneguda d'una sèrie d'obres escultòriques que Warhol va crear a mitjans dels anys 60, que va portar efectivament la seva investigació sobre la cultura pop en tres dimensions. Fidel al nom que Warhol havia donat al seu estudi —la Fàbrica—, l'artista va contractar fusters per treballar una mena de cadena de muntatge, clavant caixes de fusta en forma de cartrons per a diversos productes, com Heinz Ketchup, Kellogg's Corn Flakes i Campbell's Soup, com bé, pastilles de sabó Brillo. Després va pintar cada caixa d'un color que coincideixi amb l'original (blanc en el cas de Brillo) abans d'afegir el nom del producte i el logotip en serigrafia. Creades en múltiples, les caixes sovint es mostraven en grans piles, convertint efectivament qualsevol galeria on es trobaven en un facsímil d'alta cultura d'un magatzem. La seva forma i producció en sèrie va ser potser un cop d'ullet o una paròdia de l'aleshores naixent estil minimalista. Però el veritable punt deCaixa Brilloés com la seva aproximació a la realitat subverteix les convencions artístiques, en implicar que no hi ha cap diferència real entre els productes manufacturats i el treball de l'estudi d'un artista.

Fotografia: cortesia CC/Flickr/Esther Westerveld

El nom de Donald Judd és sinònim de Minimal Art, el moviment de mitjans dels anys 60 que va destil·lar la tensió racionalista del modernisme a l'essencial. Per a Judd, l'escultura significava articular la presència concreta de l'obra a l'espai. Aquesta idea es va descriure amb el terme "objecte específic" i, mentre que altres minimalistes la van acceptar, Judd va donar a la idea la seva expressió més pura adoptant la caixa com a forma de signatura. Com Warhol, els va produir com a unitats repetitives, utilitzant materials i mètodes manllevats de la fabricació industrial. A diferència de les llaunes de sopa de Warhol i les Marilyns, l'art de Judd no es referia a res fora de si mateix. Les seves "piles" es troben entre les seves peces més conegudes. Cadascun consta d'un grup de caixes de poca profunditat idèntiques fetes de xapa galvanitzada, que sobresurten de la paret per crear una columna d'elements uniformement espaiats. Però Judd, que va començar com a pintor, estava tan interessat en el color i la textura com en la forma, tal com es veu aquí amb la laca de carrosseria de color verd aplicada a la cara frontal de cada caixa. La interacció de color i material de Judd dónaSense títol (pila)una elegància exigent que suavitza el seu absolutisme abstracte.

Fotografia: cortesia CC/Flickr/Rocor

Com Benglis, Hesse va ser una dona artista que va filtrar el postminimalisme a través d'un prisma possiblement feminista. Jueva que va fugir de l'Alemanya nazi de petita, va explorar les formes orgàniques, creant peces de fibra de vidre industrial, làtex i corda que evocaven la pell o la carn, els genitals i altres parts del cos. Tenint en compte els seus antecedents, és temptador trobar un fons de trauma o ansietat en obres com aquesta.

Fotografia: cortesia del Museu d'Art Modern

Seguint a Judd i Flavin, un grup d'artistes es va apartar de l'estètica de línies netes del minimalisme. Com a part d'aquesta generació postminimalista, Richard Serra va posar el concepte de l'objecte específic en esteroides, ampliant enormement la seva escala i pes, i fent que les lleis de la gravetat siguin integrals a la idea. Va crear precaris equilibris de plaques d'acer o plom i tubs amb un pes de tones, que van tenir l'efecte d'impartir una sensació d'amenaça a l'obra. (En dues ocasions, els aparelladors que instal·laven peces de Serra van morir o mutilats quan l'obra es va ensorrar accidentalment.) En les últimes dècades, el treball de Serra ha adoptat un refinament curvilini que l'ha fet molt popular, però al principi, obres com One Ton Prop (House of Cards), que compta amb quatre plaques de plom inclinades juntes, va comunicar les seves preocupacions amb brutal directe.

Fotografia: cortesia CC/Wikimedia Commons/Soren.harward/Robert Smithson

Seguint la tendència contracultural general durant les dècades de 1960 i 1970, els artistes van començar a revoltar-se contra el mercantilisme del món de la galeria, desenvolupant formes d'art radicalment noves com els moviments de terra. També conegut com a land art, la figura principal del gènere va ser Robert Smithson (1938–1973), que, juntament amb artistes com Michael Heizer, Walter De Maria i James Turrel, es van aventurar als deserts de l'oest dels Estats Units per crear obres monumentals que actuaven en concert amb el seu entorn. Aquest enfocament específic del lloc, com es va anomenar, sovint utilitzava materials extrets directament del paisatge. Aquest és el cas de SmithsonEmbarcador en espiral, que sobresurt al Great Salt Lake d'Utah des de Rozel Point a la riba nord-est del llac. Fet de fang, cristalls de sal i basalt extret in situ,Mesures de l'embarcador en espiral1.500 per 15 peus. Va estar submergit sota el llac durant dècades fins que una sequera a principis dels anys 2000 el va tornar a la superfície. El 2017,Embarcador en espiralva ser nomenada obra d'art oficial d'Utah.

Fotografia: cortesia CC/Wikimedia Commons/FLICKR/Pierre Metivier

L'obra signatura de l'artista francès,Aranyaes va crear a mitjans dels anys noranta quan Bourgeois (1911-2010) ja tenia els vuitanta. Existeix en nombroses versions d'escala variable, incloses algunes que són monumentals.Aranyas'entén com un homenatge a la mare de l'artista, una restauradora de tapissos (d'aquí l'al·lusió a la propensió de l'aràcnid a filar xarxes).

Shutterstock

Guanyador del prestigiós premi Turner l'any 1994, Antony Gormley és un dels escultors contemporanis més famosos del Regne Unit, però també és conegut arreu del món per la seva visió única de l'art figuratiu, un en el qual es basen àmplies variacions d'escala i estil. majoritàriament, sobre la mateixa plantilla: Un repartiment del propi cos de l'artista. Això és cert d'aquest enorme monument alat situat a prop de la ciutat de Gateshead, al nord-est d'Anglaterra. Situat al llarg d'una carretera important,Àngels'eleva a 66 peus d'alçada i abasta 177 peus d'amplada des de la punta de l'ala fins a la punta de l'ala. Segons Gormley, l'obra pretén com una mena de marcador simbòlic entre el passat industrial britànic (l'escultura es troba al país del carbó d'Anglaterra, cor de la Revolució Industrial) i el seu futur postindustrial.

Cortesia CC/Flickr/Richard Howe

Els habitants de Chicago l'anomenen afectuosament "The Bean" per la seva forma el·lipsoïdal doblegada,Porta del núvol, la peça central d'art públic d'Anish Kapoor per al parc del mil·lenni de la segona ciutat, és tant obra d'art com arquitectura, i ofereix un arc preparat per a Instagram per als passejants de diumenge i altres visitants del parc. Fabricat amb acer mirall,Porta del núvolLa reflexivitat de la casa divertida i la gran escala la converteixen en la peça més coneguda de Kapoor.

Cortesia de l'artista i Greene Naftali, Nova York

L'obra de Rachel Harrison combina un formalisme consumat amb una habilitat per impregnar elements aparentment abstractes amb múltiples significats, inclosos els polítics. Ella qüestiona ferotgement la monumentalitat i la prerrogativa masculina que la comporta. Harrison crea la major part de les seves escultures apilant i disposant blocs o lloses d'escuma de poliestirè, abans de cobrir-les amb una combinació de ciment i flors pictòriques. La cirera de dalt és una mena d'objecte trobat, ja sigui sol o en combinació amb altres. Un bon exemple és aquest maniquí sobre una forma allargada i esquitxada de pintura. Portant una capa i una màscara d'Abraham Lincoln mirant cap enrere, l'obra envia la teoria del gran home de la història amb la seva evocació del conqueridor del món antic dempeus sobre una roca de color pallasso..